ピカソ 剽窃の論理
1987年刊
高階秀爾著
高階秀爾の経歴
高階秀爾（1932–2024年）は、日本を代表する西洋美術史家、美術評論家である。東京大学で美術史を学び、その後フランスへ留学し、西洋近代美術研究の第一人者として活躍した。東京大学教授、国立西洋美術館館長、大原美術館館長などを歴任し、日本における西洋美術理解に大きな影響を与えた。高階の研究の特徴は、作品を単独で見るのではなく、その背後にある歴史的文脈や文化的連続性の中で理解しようとする点にある。本書でもピカソを孤立した天才としてではなく、過去の芸術を積極的に吸収し変容させた芸術家として論じている。
本書の内容
1.剽窃という挑発的な言葉
本書の題名にある剽窃という言葉は、一般的な意味での盗作を指している訳ではない。著者はあえて刺激的な言葉を用いることで、芸術における創造とは何かという問題を提起する。普通、独創性とは他人と違うものを生み出すことだと考えられている。しかし実際には、どの芸術家も過去の作品や文化から影響を受けている。ピカソはその事実を隠そうとせず、むしろ積極的に他人の作品を取り込みながら新しい芸術を創造した。その仕組を著者は剽窃の論理と呼ぶ。
2.ピカソと伝統美術
本書はまず、ピカソがいかに深く西洋美術の伝統を学んでいたかを示す。一般には革命的前衛芸術家という印象が強いが、若い頃のピカソは古典絵画を徹底的に研究していた。スペインの巨匠ベラスケス、ゴヤ、エル・グレコやセザンヌなど、多くの先人の作品を吸収していた。ピカソの革新性は伝統の否定から生まれたのではなく、伝統の徹底的な理解から生まれた。
3.セザンヌからの継承
特に重要なのがセザンヌの影響である。ピカソのキュビスムは突然現れたものではなく、セザンヌが進めた形態の単純化や空間の再構成を更に押し進めた結果として生まれた。著者は、近代美術史における継承関係を丁寧に追いながら、ピカソの独創性が実は深い伝統の上に成立していることを明らかにする。
4.アヴィニョンの娘たちの背景
代表作アヴィニョンの娘たちの分析も本書の中心テーマである。この作品は近代美術の革命的出発点とされるが、著者はその中にアフリカ彫刻、イベリア美術、セザンヌ絵画など複数の源泉が存在することを指摘する。ピカソはそれらを単純に模倣したのではなく、異質な要素を融合させて全く新しい視覚言語へ変換した。
5.古典との対話
本書では、ピカソが晩年まで古典絵画との対話を続けたことも詳しく論じられる。たとえばベラスケスのラス・メニーナスや、マネの草上の昼食などの名画を繰り返し描き直している。しかしそれは模写ではない。ピカソは過去の名作を素材として利用しながら、自らの時代の感覚で再創造していた。
6.盗むことと創ること
本書で繰り返し論じられるのは、芸術において本当の独創性とは何かという問題である。ピカソは有名な言葉として凡才は模倣し、天才は盗むと語った。著者はこの言葉を、単なる挑発ではなく創造の本質を示すものとして解釈する。模倣とは表面的な再現に過ぎない。しかし真の創造者は他者の成果を自分の血肉として取り込み、全く別のものへ変えてしまう。ピカソの偉大さはまさにそこにあった。
7.芸術史の連続性
本書は最終的に、美術史を断絶ではなく連続として理解する重要性を説く。ピカソは革命家であったが、同時に西洋美術の長い伝統の継承者でもあった。彼の革新は過去との決別ではなく、過去との創造的対話から生まれた。著者は、その視点から20世紀美術全体を再評価しようとしている。
本書が言いたかったこと
真の独創性とは無から何かを生み出すことではなく、過去の文化や芸術を深く理解し、それを新しい形へ変容させることにある。ピカソは多くの先人の作品から学び、時には大胆に借用しながらも、それを単なる模倣で終わらせなかった。彼は吸収したものを自らの創造力によって再構成し、誰も見たことのない表現へと変えた。本書は、剽窃という言葉を通じて創造の逆説を示している。偉大な芸術家とは、他者の影響を受けない人ではなく、他者から学んだものを自分自身の世界へ完全に作り替える人である。そしてピカソは、その最も卓越した実例であった。
ゴヤ（1972年）
理性と狂気の境界を描いた近代最初の画家
ゴヤは単なるスペイン宮廷画家ではなく、近代芸術の扉を開いた存在である。カルロス4世一家などの宮廷肖像では、王侯貴族の外面的威厳を描きながら、その背後にある人間的弱さや滑稽さまで露呈させる。一方、1808年5月3日、戦争の惨禍では戦争の英雄性を否定し、殺す者と殺される者という暴力の現実を直視した。更に黒い絵では、魔女、狂気、恐怖、死といった人間精神の暗部へ踏み込む。高階が重視するのは、啓蒙主義の時代に生きたゴヤの内部に、理性への信頼と非合理的な闇への恐怖が共存していたことである。ゴヤとは古典的秩序から近代的な個人の内面へ絵画を転換し、人間の理性だけでは説明できない闇を芸術の主題とした近代美術の先駆者であると論じられる。
フランス絵画史（1990年）
1.ピュヴィス・ド・シャヴァンヌ
シャヴァンヌは大規模な壁画で名声を得た画家で、淡い色彩、平面的な人物、静止した構図によって、現実の時間から切り離されたような理想世界を作り出した。一見すると古典的で保守的に見えるが、むしろ立体感や写実性を意識的に弱め、画面を平面として扱ったことが後の象徴主義やナビ派に大きな影響を与えた。高階の美術史観から重要なのは、近代絵画が印象派→セザンヌ→20世紀という一本道ではなかったことである。シャヴァンヌは装飾性、平面性、象徴性という別ルートから20世紀絵画を準備した重要人物として位置づけられる。
2.テオドール・シャセリオー
シャセリオーは19世紀フランス絵画における橋渡しの画家として興味深い。若くしてアングルに学び、端正な線描と古典的な人体表現を身につけながら、後にドラクロワの豊かな色彩やロマン主義、オリエンタリズムへ接近した。その結果、アングルの線とドラクロワの色という当時対立すると考えられていた二つの美学を一人の画家の内部で結合しようとした。アルジェリア旅行以後の女性像や東方的主題には官能性と異国趣味が強く表れ、その芸術は後のモローにも重要な影響を与える。高階のフランス絵画史の大きな魅力は、巨匠だけでなく、このような様式間をつなぐ画家を位置づける点にある。シャセリオーは新古典主義からロマン主義、更に象徴主義へ向かう隠れた結節点として読むことができる。
3.ピエール・ボナール
ボナールはモーリス・ドニ、ヴュイヤールらとともにナビ派に参加し、印象派以後の絵画を装飾性、平面性、記憶の方向へ展開した。日本の浮世絵から強い影響を受け、日本かぶれのナビと呼ばれたことでも知られる。室内、食卓、庭、妻マルトの入浴など身近な日常を描くが、眼前の光景をそのまま写すのではなく、記憶の中で熟成させ、鮮烈な色彩によって再構成した。高階的な近代美術史の中では、ボナールは印象派の色彩革命を受け継ぎながら、それを瞬間の視覚から記憶された視覚へ変えた画家といえる。平面性と装飾性という点では日本美術と西洋近代美術を結ぶ存在でもある。
4.ジョルジュ・スーラ
高階秀爾の近代美術論においてスーラは、印象派の感覚的な色彩を科学的・構築的な絵画へ転換した重要人物である。モネたちが戸外で瞬間的な光を捉えたのに対し、スーラは色彩理論や視覚研究を取り入れ、細かな純色の点を並べ、鑑賞者の眼の中で混色させる点描技法を追究した。しかしグランド・ジャット島の日曜日の午後を見ると、単なる科学的実験ではない。人物は静止し、構図は厳格に秩序づけられ、古典的壁画のような永続性を持っている。スーラは印象派が解放した光と色彩を再び構築的な秩序へ戻そうとした画家である。この感覚から構造へという方向はセザンヌとも呼応し、20世紀の抽象絵画や構成主義へつながる。高階にとって印象派と20世紀美術を結ぶ重要な転換点に位置する画家である。
5.ポール・シニャック
シニャックはスーラとともに新印象派を形成し、印象派の色彩を理論的に発展させた画家である。スーラの点描技法を受け継ぎながら、より大きく鮮明な色斑を用い、港、海、帆船、南フランスの風景などを明るく装飾的な画面へ変えていった。またシニャックは画家であると同時に理論家でもあり、新印象派の理論を文章によって体系化し、その思想を次世代へ伝えた。高階のフランス近代絵画史の中で考えると、重要なのは新印象派が印象派の単なる変種ではなかった点である。印象派の直感的な視覚を色彩理論によって組織化し、色彩を自然の再現から解放したことによって、フォーヴィスムへの道を準備した。特にマティスらが純色の自律性を発見する上で、新印象派が果たした役割は大きい。