安田侃 魂の彫刻家
2005年2月刊
彩草じん子著
著者と安田侃の経歴
著者の彩草じん子は、美術・文化分野を中心に活動するライターであり、人物の精神性や生き方に深く迫る取材を得意としている。本書でも単なる作品解説に留まらず、安田侃という人間の内面的軌跡を丹念に描いている。
安田侃は1945年、北海道美唄市に生まれた。炭鉱の町に育ち、荒々しい自然と厳しい労働環境の中で幼少期を過ごしたことが、後年の制作思想に大きな影響を与えている。武蔵野美術大学卒業後、1969年にイタリアへ渡り、以後長くミラノを拠点に制作活動を続けた。大理石を素材とした有機的で滑らかな抽象彫刻によって国際的評価を獲得し、日本とヨーロッパ双方で数多くの野外彫刻やモニュメントを制作した。代表作には天秘、妙夢、意心帰などがあり、自然・空間・人間存在との調和を重視する独自の彫刻世界を築いている。また、北海道美唄市のアルテピアッツァ美唄は、安田自身が長年をかけて構想した芸術公園として知られている。
丸ビル裏口
六本木ミッドタウン地下
本書の内容
1.炭鉱の町から生まれた感性
本書の冒頭では、北海道美唄の炭鉱町で育った少年時代が描かれる。雪に覆われた広大な風景、石炭産業に従事する人々の厳しい生活、そして自然と死が隣り合わせに存在する環境が、安田の感性の基盤となった。安田の作品に漂う静謐さや深い沈黙が、この北国特有の風土と密接につながっている。
2.イタリアへの旅立ちと孤独
若き安田がイタリアへ渡った経緯が詳しく描かれる。当時の日本では前衛芸術が盛んであったが、安田は流行的な表現に馴染めず、より根源的な造形を求めてヨーロッパへ向かった。イタリアでは言葉も十分に通じず、貧しい生活の中で孤独と向き合いながら制作を続けた。しかし、その孤独こそが、自身の芸術を純化させる重要な時間だった。特に大理石との出会いは決定的であった。安田は石を単なる素材としてではなく、内側に生命を宿した存在として捉えていた。著者は、安田が石と対話するように彫刻を進めていく姿勢を、数々のエピソードを通して紹介している。
3.触れる彫刻という思想
本書の中心的テーマの一つが、触れる彫刻という安田の思想である。多くの美術作品が鑑賞対象として距離を保つのに対し、安田の作品は人が手で触れ、身体で感じることを前提としている。滑らかに磨かれた曲面は、人間の皮膚感覚に直接働きかけ、見るだけではなく包まれる感覚を生み出す。著者は、この感覚が単なるデザイン性ではなく、人間存在への深い信頼に基づいていると論じている。安田は彫刻を通して、人間が本来持っている静かな感受性を呼び覚まそうとしていた。
4.アルテピアッツァ美唄の理念
本書後半では、北海道美唄市に構想されたアルテピアッツァ美唄が大きく取り上げられる。廃校となった小学校跡地と自然環境を活用し、芸術と自然が共存する空間をつくる試みとして、このプロジェクトは長年続けられてきた。著者は、安田が単に作品を設置するのではなく、人が時間を過ごす場として空間全体を設計していたことを強調している。そこでは彫刻が主役ではなく、風、光、雪、木々、人間の動きまでもが作品世界の一部となる。安田の芸術が単体作品ではなく、空間そのものを創造する行為へ向かっていったことが丁寧に説明されている。
5.魂を刻むということ
終章近くでは、安田侃の創作哲学がより精神的側面から語られる。安田は美しい形を目指していたのではなく、人間の内側に存在する静けさや祈りの感覚を形にしようとしていた。著者はその姿勢を魂を刻む彫刻と表現している。安田にとって彫刻とは自己表現ではなく、人間と自然、時間と空間、生と死を結び直すための媒介だった。本書は、その制作行為が極めて精神的でありながら、同時に身体的・感覚的でもあることを浮かび上がらせている。
本書が言いたかったこと
安田侃の彫刻が単なる造形作品ではなく、人間の魂や存在の深層に触れようとする営みである。安田は激しい自己主張や観念的理論によって作品を成立させたのではなく、石という永遠性を持つ素材を通して、人間の内側にある静寂や記憶、祈りを形にしようとした。本書は、芸術とは特別な知識を持つ者だけのものではなく、人が自然の中で深く呼吸し、静かに存在を感じるための場であることを示している。安田侃の作品が多くの人々に親しまれる理由は、その彫刻が理屈よりも先に身体感覚へ働きかけ、人間が本来持つ感性を呼び覚ますからである。本書は、一人の彫刻家の伝記であると同時に、人間にとって芸術とは何かという根源的問いを投げかける作品である。